Faites la connaissance d'Andrew Joyce, illustrateur basé au Royaume-Uni et cofondateur de The Tokyoiter, dont le travail capture l'essence du quotidien à travers des formes épurées, des lignes nettes et une palette de couleurs soigneusement réfléchie. Inspiré par le Japon, les voyages et les détails urbains discrets, il crée des récits visuels expressifs qui invitent à une appréciation plus profonde du monde qui nous entoure.
Needle & Ink
La voix d'Andrew Joyce
Q1. Pourriez-vous vous présenter et nous en dire un peu plus sur votre parcours d'artiste ?
Je suis Andrew Joyce, illustrateur basé au Royaume-Uni et cofondateur de The Tokyoiter.
Mon parcours dans l'illustration est né d'un amour pour le dessin et la documentation, qui s'est progressivement transformé en une carrière auprès de clients du monde entier. Une grande partie de mon travail est influencée par le Japon, les voyages et les petits détails de la vie quotidienne, que j'essaie de capturer avec des formes simples et des palettes de couleurs restreintes.
Q2. Nous nous intéressons au parcours derrière votre travail. Quand l'art est-il devenu important dans votre vie ? Quels thèmes vous attirent naturellement, et comment décririez-vous votre langage visuel aujourd'hui ? Que signifie pour vous la création artistique, personnellement ?
Le dessin a été une constante tout au long de ma vie. Aussi loin que je m'en souvienne, j'ai toujours dessiné sur quelque chose : des carnets de croquis, des bouts de papier, voire des rouleaux entiers de papier peint inutilisés. Cela m'a toujours semblé être la façon la plus naturelle de traiter et de documenter le monde qui m'entoure.
Je suis fasciné depuis longtemps par la documentation des lieux et des objets du quotidien, en étudiant les formes, les structures et les petits détails qui passent souvent inaperçus. Je suis particulièrement attiré par l'architecture, le lettrage, les scènes de rue et les objets quotidiens qui donnent son identité à un lieu. Décomposer des scènes complexes en formes simples et en palettes de couleurs réfléchies est quelque chose que j'apprécie vraiment. Il y a quelque chose de satisfaisant à réduire le bruit visuel et à trouver quelque chose de simple et clair.
Au fil du temps, cette approche est devenue centrale dans mon langage visuel : formes audacieuses, lignes nettes et, plus récemment, texture. Pour moi, créer des illustrations est à la fois une manière d'observer plus attentivement et de partager ma vision du monde. Si une illustration amène quelqu'un à s'arrêter, à ressentir de la nostalgie ou à regarder un lieu familier d'une manière nouvelle, alors j'estime avoir accompli quelque chose de significatif.
Q3. Lorsque vous commencez une nouvelle pièce, comment passez-vous de la première idée à l'œuvre finie ? Pourriez-vous nous parler un peu de votre processus créatif et de ce qui le déclenche habituellement ?
J'ai toujours un petit carnet MD sur moi, que je sois en réunion client ou assis dans un café. C'est là que je note rapidement des idées, des croquis ou des observations, souvent liés à un projet sur lequel je travaille ou à un concept personnel que j'aimerais développer.
Il peut être difficile de rester assis à un bureau devant un ordinateur et de générer constamment des idées créatives les unes après les autres. Il est donc essentiel de sortir dans le monde, de laisser son esprit se détendre un peu et de trouver l'inspiration dans la vie quotidienne. C'est pourquoi il est si important d'avoir quelque chose sous la main pour capturer ces moments d'inspiration.
À partir de là, ces notes brutes évoluent vers des croquis plus réfléchis qui explorent la composition et l'idée centrale. S'il s'agit d'un projet client, je les développe en ébauches plus claires qui communiquent la direction et la structure globale de la pièce.
Après quelques cycles de retours et d'affinage, une fois que nous sommes alignés sur la composition, je passe à l'étape du dessin final et je commence à réfléchir attentivement à la couleur. La couleur est un élément clé de l'ambiance et de l'identité de l'œuvre, j'aime donc prendre le temps de trouver le bon équilibre.
Une fois que tout semble résolu, je prépare et livre l'œuvre finale au client.
Q4. Chez Familia Fabrica, nous pensons que l'art ne doit pas seulement être vu, mais ressenti et porté dans la vie de tous les jours. Pour cette collaboration, quelle histoire, quelle émotion ou quelle réflexion apportez-vous à votre design ? Qu'aimeriez-vous que les gens ressentent ou pensent lorsqu'ils portent votre œuvre ?
J'ai tendance à ne pas trop intellectualiser mon travail. Pour moi, le point de départ est généralement très simple : je m'intéresse à la documentation des lieux et des moments du quotidien, et à les présenter d'une manière qui semble claire, équilibrée et visuellement satisfaisante. Je ne commence pas toujours avec un récit profond en tête.
Cela dit, je me soucie de ce que le travail fait ressentir aux gens. Si quelqu'un porte la pièce et que cela déclenche un petit sentiment de nostalgie, de curiosité ou de connexion avec un lieu qu'il aime, ou même apporte simplement un moment de plaisir visuel à sa journée, alors cela me suffit.
J'aime l'idée que l'art puisse accompagner discrètement la vie quotidienne. Il n'a pas toujours besoin de faire une grande déclaration ; parfois, il peut simplement offrir un sentiment de familiarité, de chaleur ou de calme.
Q5. Que signifie cette collaboration pour vous personnellement ? Comment avez-vous ressenti le passage de votre travail à une forme portable par rapport à d'autres supports avec lesquels vous avez travaillé ?
En tant qu'illustrateur, j'apprécie vraiment l'opportunité de collaborer avec des experts d'autres domaines. Il y a quelque chose de stimulant à voir comment différentes compétences et perspectives se rejoignent pour créer quelque chose de nouveau.
De plus, dans un monde si numérique, il est particulièrement significatif de voir mon travail sortir de l'écran pour prendre une forme tangible. Quelque chose qui peut être tenu, porté et vécu physiquement. Il y a une présence et une pérennité différentes à cela.
Surtout, l'idée que quelqu'un choisisse de porter et d'exposer mon œuvre dans sa vie quotidienne me remplit sincèrement de joie. C'est un sentiment très spécial de savoir que le travail peut vivre avec les gens de cette manière.
Q6. Grâce à ce projet, 10 % des bénéfices soutiennent des enfants dans le besoin. Au-delà de l'art lui-même, y a-t-il une valeur, une croyance ou un message qu'il vous semble important de partager avec notre communauté ?
Je ne dirais pas que j'aborde mon travail avec un message particulier en tête. Au fond, j'aime simplement dessiner et documenter le monde qui m'entoure. J'éprouve une immense joie à prendre une idée dans ma tête et à la transformer en quelque chose de concret grâce à l'illustration.
S'il y a une valeur qu'il me semble important de partager, c'est la gratitude. Je me sens incroyablement chanceux d'avoir découvert quelque chose qui me passionne et de pouvoir en faire mon métier. Tout le monde n'a pas cette opportunité.
J'espère que, d'une manière ou d'une autre, ce projet contribuera à créer plus d'espace pour que les jeunes puissent explorer leurs propres intérêts et instincts créatifs, quelle que soit la forme que cela puisse prendre. Trouver quelque chose qui vous apporte de la joie et un sens est une chose puissante.
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